CRÍTICA: EL CONSEJERO

 

Por MARCOS RODRÍGUEZ

 

 

Un extraño sentimiento queda al terminar de ver El Consejero, de mi querido Ridley Scott.

Se me ve el plumero nada más comenzar, pero es que la mayoría de comentarios van en contra del director británico y a favor del escritor, Cormac McCarthy. Pues bien, si la película no entretiene es porque el libreto tampoco lo hace; básicamente partimos de un guión que funciona leyéndolo pero cuya adaptación a la pantalla resulta inevitablemente aburrida y complicada de ver y entender. Considero que no se podía haber mostrado mejor en imágenes todo lo que sucede en la trama, teniendo en cuenta que estamos ante un cruce de relaciones entre personajes del mundo del crimen, temática nada novedosa, por cierto. Quizás sí podían haberse extendido más en momentos curiosos del guión que no aparecen en la película, como el paseíllo que se marcan los leopardos por el extrarradio. Pero bueno, es algo anecdótico; tan anecdótico como la película en sí.

Al comenzar me refería a que es un visionado extraño porque la película está bien hecha y tiene imágenes poderosas (qué menos), pero al fin y al cabo no te aporta nada ni antes ni después de verla, porque tal y como está el mundo actualmente lo que menos apetece es quedarse dos horas escuchando cómo una panda de asesinos te dan discursitos moralistas. De hecho, estos discursos pretenden ser sutiles a través de diálogo encriptado típico de mafiosos y no hacen más que anticipar toda la acción que acontece sin sorpresa alguna.

Considero que estamos ante un “problema” de guión y no de director o actores, que están todos muy correctos (no tiene sentido criticar a Penélope Cruz en esta película). La gueparda Cameron Díaz destaca por encima como protagonista femenina, casi símbolo de esa ambigüedad e hipocresía que se contagia entre aquellos que se acercan al entorno criminal.

 

 

Dejando a un lado la ficha técnica y artística y volviendo a la experiencia cinematográfica en sí, que es lo que importa, queda una película con todos los defectos comentados antes pero con una gran virtud: la posibilidad de conocer a fondo cómo viven y piensan estos pobres diablos, un tipo de personajes que históricamente han tenido un peso brutal en el cine.

 

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CRÍTICA: DE TAL PADRE, TAL HIJO

DE TAL PADRE, TAL HIJO

Por María Campo

¿Qué es lo que determina la paternidad? ¿Es el material genético o la relación y el contacto diario? ¿En qué momento un padre comienza a serlo? ¿Cómo deberíamos educar a nuestros hijos? Estas son algunas de las preguntas que plantea Hirokazu Koreeda en DE TAL PADRE, TAL HIJO. El aclamado director de cintas como “Maborosi”, “After Life”, “Nadie Sabe” y “Caminando”, regresa a la gran pantalla con uno de sus géneros predilectos, el drama.

“De tal padre, tal hijo” nos hace testigos de una situación límite. Dos parejas, cuyos hijos fueron intercambiados al nacer, tendrán que enfrentarse al mayor dilema de sus vidas: elegir los lazos de sangre o valorar la convivencia.

Koreeda se sirve de dos familias diametralmente opuestas para profundizar en otro tipo de cuestiones como son la educación y el amor.

Angustia, tristeza, dudas morales e interrogantes que se exponen con serenidad, intentando evitar en todo momento el  sentimentalismo trivial y sin esfuerzo.  Hirozaku sabe ser comedido para narrar una historia tan humana con altas dosis de buen gusto y estilo. Explora lentamente las relaciones entre padres e hijos haciendo cómplice al espectador.

En cuanto a los actores, destaca el trabajo  de  Masaharu Fukuyama, que consigue expresar con maestría la evolución que experimenta su personaje. Además, será él el encargado de protagonizar  las escenas más duras pero, también, las más conmovedoras de la película. Y si hablamos de méritos, es justo halagar tanto la dirección como la interpretación de los más pequeños, pues nos logran trasmitir el desconcierto que sufren en un mundo donde las decisiones de los mayores son las que importan.

En definitiva, una deliciosa película que nos hace sentir y pensar. Enhorabuena, señor Hirozaku, lo ha vuelto a conseguir.Y a ustedes: no dejen de ir a verla. Acomódense en sus butacas y disfruten la experiencia. Serán dos horas muy bien invertidas.

Estreno en cines el próximo 29 de noviembre.

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ENCUENTRO CON DAVID LYNCH

Por Marcos Rodríguez

Encuentro con el multifacético cineasta David Lynch en el Museo Reina Sofía el día 15 de octubre de 2013. Conferencia "Meditación, Conciencia y Creatividad" sobre cómo la meditación trascendental le ha ayudado a conseguir sus ideas y también a alcanzar un determinado estado de felicidad.

 

  

 

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CRÍTICA: CAPITÁN PHILLIPS

Por MARCOS RODRÍGUEZ

 

© 2013 Columbia Pictures Industries

 



Tensión.

Tensión es la palabra que mejor define Capitán Phillips.

 

Una agotadora experiencia que te sumerge de lleno en el terrible suceso que sufrió Richard Phillips en 2009, cuando unos piratas somalíes abordaron su buque “Maersk Alabama”.

La película es perfecta para refrescarle esta historia al espectador bajo la trabajada dirección de Paul Greengrass, que consigue que también nos quedemos atrapados en el barco. Puede que se llegue a hablar de película de acción, pero lo que el director nos ofrece es un intenso thriller. Es más, creo que debería estudiarse como buen ejemplo de este género cinematográfico.

© 2013 Columbia Pictures Industries

 

Tom Hanks recrea uno de los personajes con más fuerza e interés de su carrera. Esta vez cambia su cara cansina por una cansada, un rostro totalmente exhausto fruto de la extrema situación que le ha tocado sufrir. Al igual que él, llega un punto en el que necesitamos salir a la cubierta para tomar aire, necesitamos escapar del ambiente claustrofóbico que nos ahoga a pesar de estar rodeados de un espacio tan gigante como es el océano. Phillips está aterrorizado, pero conserva su fortaleza en todo momento, presentándose como un modelo a seguir y demostrando así el aguante del ser humano.

 

Pero Hanks no es el protagonista absoluto. El debutante Barkhad Abdi se convierte en el otro peso pesado con su interpretación del desquiciado líder de los piratas.

No podían haber elegido un rostro más creepy para el malo de la historia. Es un personaje tan bien conseguido que por momentos piensas que un pirata de verdad se coló en el rodaje y secuestró al equipo de la película.

A lo largo de la cinta vas conociendo mejor su manera de pensar y actuar. Pasas de verle como un sádico a sentir algo de empatía y entender que en el fondo para él es como un juego de niños, no le importa lo que pueda pasar porque no tiene mucho que perder.

© 2013 Columbia Pictures Industries

Cada escena en la que los piratas se enfrentan a la tripulación equivale a un momento de sudoración máxima, sobre todo por esa irracionalidad total que debe experimentarse en los secuestros, en los que en cuestión de segundos puede pasar lo peor. Ver Capitán Phillips es ver una película con una granada en la entrepierna.

Y el olor, el olor… Casi puedes oler el entorno de la película. Sudor, gasolina, humedad. Hacía tiempo que una película no despertaba tanto mis sentidos. El calor asfixiante es otra característica que el espectador puede llegar a sufrir. De hecho, toda esta presión es la que puede contagiarte de esa prepotencia americana que, fruto del miedo, te hace querer tirar por la borda a los piratas de la peor manera posible.

En definitiva es para lo que deberían servir algunas películas: provocarte vivencias que no has experimentado (por fortuna, en este caso). Comparable en este sentido a la increíble Gravity, creo pasará mucho tiempo hasta que volvamos a sentir tan intensamente una película.

Id a verla y sufrid con gusto.

 

       

 

 

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ESTRENOS Semana del 11-13 de Octubre

Comenzamos con el film de la semana, El Mayordomo.

Esta película protagonizada por Forest Whitaker y dirigida por Lee Daniels nos descubre la visión del mayordomo de la Casa Blanca durante el mandato de 8 presidentes. Con un gran reparto que incluye a Oprah Winfrey o Robin Williams, esta película se alza entre las favoritas para llevarse un Óscar.

Dentro el cine español, se estrena Caníbal.

Manuel Martín Cuenca nos propone una película basada en la vida de un sastre de Granada que se alimenta, no de cualquier comida, sino de la carne de mujeres desconocidas.  La trama se enreda cuando conoce a Nina, una mujer que busca a su hermana desaparecida. Como curiosidad, la película fue premiada a la Mejor Fotografía en el festival de San Sebastián.

Desde Estados Unidos nos llega: Ladrones de Fama.

Como todos sabemos, Los Ángeles concentra una gran cantidad de famosos, haciendo que el grupo protagonista, liderado por Emma Watson e Israel Broussand, decidan robarles en sus casas. La película ha sido dirigida por Sofía Cappola, hija del 7 veces oscarizado, Francis Ford Cappola.

Para los amantes del Thriller, llega a las pantallas: Prisioneros.

Hugh Jackman se mete en la piel de Keller Dover, un padre que ha visto como ha desaparecido su hija junto con una amiga. Agobiado por la lentitud de la policía y el aumento de su pánico, decide que la salvación de su hija se encuentra en sus manos.

Por último, desde Israel aparece,  A pie de página.

Dos profesores nos descubren su gran rivalidad, con un defecto, son padre e hijo. La trama llega cuando el padre es erróneamente premiado, haciendo debatir a su hijo entre su honor o su familia. El film llega a España tras 2 años de viajes, donde ha sido nominada al Óscar a la Mjor Película de Habla No Inglesa.

No se os olvide comprar o llevaros las palomitas y disfrutar de un buen estreno de esta semana. Hasta la próxima semana ;)

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CRÍTICA: LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI

Por GUILLER VERDÍN

Álex de la Iglesia ha vuelto. Esa es la primera conclusión que se saca tras el divertidísimo visionado de Las Brujas de Zugarramurdi. El de la Iglesia de El día de la bestia, el de la Iglesia de La Comunidad, ese que se había ido con Crimen Ferpecto y que se había asomado con La chispa de la vida o Balada triste de trompeta. Álex de la Iglesia ha vuelto y eso es noticia.

LBDZ es entretenida y graciosa desde el principio hasta el final. Empieza muy fuerte pero nos deja descansar para terminar con ese conjunto tan propio del director bilbaíno del terror y el humor. Es, hasta ahora, la mejor producción de Enrique Cerezo que he visto, algo no muy difícil.

Carmen Maura en su sitio, una actriz que, como es habitual, levanta personajes pobres como este de Álex de la Iglesia, mucho más que otros que, para algunos, son más ricos como los que le escribe Pedro Almodóvar. Terele Pávez es por fin la bruja que siempre pareció interpretar. Y Carolina Bang, la tercera generación de brujas no es exactamente la tercera generación de grandes actrices. Es la debilidad de Álex, su musa. LBDZ es una película hecha totalmente para Carolina Bang que luce todos sus encantos y virtudes, aunque (y esto es positivo) no es una película cargada de escenas de fuerte contenido sexual ni rijoso como algunas películas de de la Iglesia.

En el lado de los hombres de esta historia de lucha de sexos premia el temor y simpleza que choca con la seguridad e inteligencia de las féminas, las mujeres, las brujas. Eso en el plano del guion, en las interpretaciones: sorpresas. Sorpresas en forma de Mario Casas haciendo un papel decente, está donde tiene que estar. Hugo Silva también bien situado como padre de un nuevo niño notable del cine español. No me extrañaría que nominaran a Gabriel Delgado al Goya al actor revelación. Son los buques insignia de un gran reparto que cierran Santiago Segura y Carlos Areces en unas geniales brujas, señoras y vascas.

Álex de la Iglesia se autohomenajea en esta historia de brujas navarras con mezclas de elementos celtas e íberos que da la vuelta al clásico de las brujas en la hoguera. Visualmente muy cuidada, con gran ritmo y emoción redondean una película de por sí redonda. LBDZ es ya una de las grandes películas de Álex de la Iglesia pero no quedará para la historia del cine patrio como si lo pudo hacer La Comunidad.

Un 8,5 ó 9 sobre 10

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"Cómo hacer que la ficción aburra más que la realidad" CRÍTICA: RUSH (2013)

Por GUILLER VERDÍN

(VA CON SPOILER, PERO YA VENÍA CON UNO LA PELI: ESTÁ BASADA EN HECHOS REALES)

La chulería y prepotencia de los pilotos de Fórmula 1 no son nada nuevo. Como tampoco lo son los fiestones que se montan o  la habilidad que tienen para derrochar dinero. Pero a todo esto Ron Howard, conocido por llevar al cine un par de novelas de Dan Brown y, mucho antes, por grandes cintas como Cocoon o Llamaradas, le ha hecho una película.

                La cosa pintaba genial, dos de mis grandes pasiones, cine y Fórmula 1 juntas. No podría salir mal. Pero salió. Howard pretendió una peli para amantes de la F1 sin apenas F1. El poco automovilismo que pudimos ver fue la recreaciones de accidentes y otros momentos célebres, que acto seguido era repetidos en algún televisor con imágenes históricas del momento.

                Una reproducciones calcadas y asombrosamente bien hechas, así como las reconstrucciones de míticos circuitos como ese fugaz  Mónaco de los 70 o el coloso y mortal Nürburgring que llenaron escasos minutos de la película. Un filme donde primaban las complicadas relaciones sociales de Niki Lauda y las numerosas y explícitas relaciones sexuales de James Hunt.

                Y cuando por fin hay Fórmula 1, el espectador encuentra menos espectáculo que si la ve por la tele. Lo que dice mucho de los pilotos de ahora, o muy poco de los realizadores de la película. Pero Howard no quiere con RUSH contarnos una serie de carreras, sino lo que sienten los corredores.

                Con el tiempo veo la película de forma más clara, pese al desacertado filtro ‘retro’ que eligieron para ella. Es una historia de superación donde hay un “bueno” que no es tan bueno, y un “malo” que no es tan malo. El “bueno” tiene una complicación que supera y eso hace que el “malo” le coja cariño y se hagan todo lo amigos que dos pilotos de F1 pueden ser. Un argumento, por tanto no muy original, independientemente de que esté basada en hechos reales.

                A todo esto, Daniel Brühl hace un gran papel, algo forzado al principio pero va cogiendo soltura a medida que su personaje gana carreras hasta el punto de poder, en ocasiones, ver a Lauda ante la pantalla. Y Thor sin su martillo (Chris Hemsworth) sorprende gratamente pero sin ahondar en la profundidad de un James Hunt vividor y, en ocasiones, perturbado.
                 La música de Hans Zimmer, pero como si sólo pasara por allí.

6,5 sobre 10

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RIDDICK

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ

Vin Diesel saltó al estrellato gracias a 'Pitch Black'. En aquella película, el actor encarnaba a un asesino oscuro y misterioso que ayudaba a los supervivientes de un vuelo espacial accidentado en un planeta aparentemente desierto. Trece años después, se estrena 'Riddick', tercera entrega de la saga basada en este personaje, y que pese a las expectativas levantadas por los tráilers publicitarios, decepciona por su falta de inventiva.

La historia es sorprendentemente parecida a la primera película, en la que hay cazarrecompensas galácticos, un antihéroe y peligrosos monstruos. La similitud de escenas, como el Riddick encadenado y desafiante frente a sus captores, y el parecido entre las luchas cuerpo a cuerpo del poderoso furiano contra monstruos de muy mal aspecto, son algunos de los puntos débiles de la cinta, por repetitivos.

Otro fallo clamoroso es el hilarante papel del cazarrecompensas Santana, que pasa rápidamente de ser un cruel villano que quiere "llevarse la cabeza de Riddick en una caja de cristal", hasta convertirse en un personaje lastimero, cobarde y sin hechuras de malvado; flaco favor del guión para la carrera del actor español Jordi Mollá. En el plano femenino, la trama pierde la oportunidad de una compañera de viaje para el fugitivo de ojos grises. Nada más empezar el film, muere una prisionera de Santana que hubiera dado color a la cinta. El resto de papeles son irrelevantes, muestra de ello son los insustanciales diálogos de otros cazarrecompensas, entre ellos los personajes interpretados por Katee Sackhoff, de Matthew Nable y del conocido luchador de wrestling 'Batista'.

Sin embargo, no todo es malo, los efectos especiales destacan al recrear un planeta desierto, donde se desarrolla este Western Galáctico. También sobresalen los movimientos de las especies alienígenas de este yermo páramo, como el 'perro' de nuestro héroe, que protagoniza los mejores momentos del film, y la suerte de 'Aliens' con cola de escorpión, que atemorizan a los personajes. En la primera parte de la cinta, Riddick saca su lado salvaje para sobrevivir en un lugar plagado de peligros, como si fuese un Robinson Crusoe más moderno y violento.

La trama es simple y efectiva, héroe imbatible, monstruos y villanos. Una combinación que hace disfrutar del cine de ciencia ficción, pero que pierde la ocasión de mostrarnos más sobre el mundo de Riddick: Su vida en el Planeta Furia o por qué sus ojos pueden ver en la oscuridad. Además, se pierde así la oportunidad de continuar la historia de Riddick al frente de los despiadados Necróferos, en la que la diversidad de mundos por conquistar y la particular filosofía del "eres dueño de lo que matas", daría mucho que hablar.

Nota final: 6.

Publicado por Joaquín Rodríguez el 19 de septiembre de 2013.

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EL HOMBRE DE ACERO

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ

'El hombre de Acero' es la nueva adaptación cinematográfica del cómic de Superman. Dirigida por Zack Snyder, es sin duda alguna la más espectacular. La trama nos lleva desde un planeta en declive como Krypton, hasta la juventud y vitalidad de la Tierra. En ambos mundos viven 'humanoides', pero mientras los kryptonianos están condenados a extinguirse, los terrícolas aún tienen la última palabra sobre su futuro. [Aquí se aprecia la mano de David S. Goyer y Christopher Nolan en el guión]. En ese duelo de predestinación contra elección aparece la figura del enviado divino, un niño nacido en Krypton: Kal-El, que crecerá en la Tierra con el nombre de Clark Kent.

El duelo interpretativo entre los dos padres de 'Superman' es digno de alabar. De un lado encontramos a Russell Crowe en la piel de Jor-El, el mejor científico de Krypton, y del otro, a Kevin Costner como Jonathan Kent, un afable granjero de Kansas. Ambos personajes son hombres rectos, que buscan el bien por encima de todas las cosas. Kent prepara a Clark para aceptar su superioridad, su futuro papel en el mundo como símbolo, como adalid del bien. Pese a haber muerto, una suerte de recuerdo 'vivo' sirve para que Russell Crowe de lecciones casi divinas a Kal-El sobre el sentido de la vida, que completarán la personalidad del joven interpretado por Henry Cavill.

La falta de Lex Luthor en este filme se ve compensada con la aparición del malvado General Zod, un villano procedente del extinto planeta Krypton que pretende acabar con Clark Kent y recuperar un complejo códice, clave para regenerar al también inexistente pueblo de Krypton. Interpretado por Michael Shannon, Zod es como una suerte de diablo que se ve obligado a cumplir su papel en el juego de la vida, encarna el mal para que en su contra brille el bien.

La actuación de los niños que dan vida a Clark Kent a lo largo de su infancia y juventud es buena, y la interpretación de Henry Cavill sólo parece estar a la altura en los momentos en que lleva barba, dando a Superman la apariencia de un ángel caído, de héroe perdido que muestra su mejor cara en los peores momentos. Por otro lado, no se puede sino criticar la falta de complicidad entre Clark Kent y Lois Lane, interpretada por Amy Adams. Llevan una relación fría y distante, para nada acorde con la tradición de Superman.

La fascinación por la imagen del director Zack Snyder es la mejor cualidad de la película, los efectos especiales son de primera y bien merecen ponerse de relieve escenas como la plataforma petrolífera en llamas, los rascacielos cayendo como si fueran fichas de dominó y la locomotora de un tren volando por los aires, imágenes que bien merecen el precio de la entrada. Incluso con los giros y vaivenes de planos, sigue siendo un auténtico espectáculo visual. Las trajes y máscaras de apariencia oscura son lo mejor de los 'malos' del filme, y el premio a la recreación virtual se lo lleva la maquinaria pesada que estos villanos llevan consigo.

Sin embargo, todo lo bueno que tiene la imagen, lo pierde en un guión flojo dónde Superman no alcanza la categoría de guardián del bien que debiera y una trama que no perfila bien a los personajes. Entre la lista de agravios al espectador encontramos…

1.) El último enfrentamiento entre héroe y villano no es sino una excusa para recrear una lucha al más puro estilo de la serie 'Bola de Dragón'.

2.) Krypton figura un planeta muy avanzado a nivel tecnológico, en el que suceden cosas inexplicables tales como que Russell Crowe monte a lomos de una suerte de pterodáctilo como los Na'vi de Pandora en la película Avatar, e incoherencias como que una civilización capaz de colonizar otros planetas y encerrar a sus malhechores en otra dimensión, caso de la 'Zona Fantasma’ no sea capaz de poner a salvo a parte de su población de la destrucción de su planeta.

3.) La proliferación de frases innecesarias del tipo: “Si ya hemos acabado de ver quién la tiene más grande” [Loise Lane a un General estadounidense] y “¡Es que está buenísimo!” [Una soldado a su superior y General, tras ser vacilado por Superman].

Para terminar con mejor sabor de boca, el broche de la película deja a nuestro personaje colocado como periodista en el Daily Planet, enlazando con la historia original y se presume en algunas escenas la más que inminente llegada de Lex Luthor en próximas entregas.

Publicado por Joaquín Rodríguez el 28 de julio de 2013.

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STAR TREK: EN LA OSCURIDAD

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ

Ser un verdadero 'trekkie' lleva su tiempo, si consigues separar los dedos de la mano como Leonard Nimoy y conoces alguna palabra en el idioma Klingon, vas por el buen camino.

J.J. Abrams vuelve a repetir como director de la segunda entrega 'Star Trek: En la Oscuridad', del reciente renacer de la serie intergaláctica. La trama comienza donde quedó la primera, con James Tiberius Kirk al mando del USS Enterprise y Mr. Spock como su Primer Oficial. Tras una pequeña aventura en un planeta remoto, un misterioso ex-agente de la Flota Estelar llamado John Harrison, atacará por sorpresa las instalaciones londinenses de la Flota Estelar y más tarde a la Comandancia de la misma.

Desde ese momento, se declara abierta la persecución del 'terrorista' por todo el Universo. Los choques con el Imperio Klingon y los giros en la actuación de los protagonistas marcan el ritmo de una película más que entretenida. Cabe destacar la apuesta técnica por los efectos especiales, que deja escenas para la posteridad como el USS Enterprise saliendo del agua, y un vuelo temerario de los protagonistas a cuerpo descubierto por un campo plagado de asteroides y chatarra espacial.

Mención especial requiere la actuación de Benedict Cumberbatch como el misterioso John Harrison, para los conocedores de la saga el siempre temible Khan, legando un villano para la posteridad y brillando como es el mejor intérprete de la cinta. La actuación de Chris Pine como Capitán Kirk sigue la línea de la primera película... juicioso y atrevido, canalla y leal, firme pero temerario. Zachary Quinto, como el renovado Mr. Spock, mantiene su gesto imperturbable de vulcano, una pared que sólo cae cuando su personaje se emociona y que deja entrever un actor maduro a tener en cuenta.

La comedia encuentra su hueco en las respuestas rápidas y cortantes del Capitán Kirk, y en las escenas entre el ingeniero Montgomery Scott y su ayudante alienígena. Como única pega, el dramatismo mal rematado de algunas tramas y la rapidez con que sucede la historia, difícil de seguir para el espectador. Quitando esto, se trata de una cinta que hará las delicias del público y que a buen seguro también obtendrá el beneplácito de los 'trekkies más puristas', aunque sólo sea de puertas para adentro.

¡A disfrutar!

Publicado por Joaquín Rodríguez el martes 23 de julio de 2013.

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GRU 2 Mi Villano Favorito

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ

Una película para niños siempre será una película para niños, sobre todo cuando toda una sala de cine pregunta, ríe a carcajadas e intercambia alguna que otra palomita aérea entre la bancada. Una cinta de dibujos animados durante una tarde de domingo, es igual a éxito en taquilla y muchos padres que miran de reojo los carteles de otros filmes más adultos. Sin embargo, estos mismos padres se llevaron una buena sorpresa, porque la segunda entrega de GRU es desternillante, vibrante, muy divertida.

Tras la conversión en bueno de nuestro particular villano, Gru lleva una agradable vida familiar junto a sus tres divertidas hijas y sus menudos ayudantes amarillos, los Minions. Sin embargo, el robo de una poderosa toxina unido a una serie de misteriosas desapariciones, llevarán a Gru hasta el papel de héroe para salvar el mundo, una vez más. Diversidad de escenarios, una sucesión de aventuras y todo tipo de artilugios dan la bienvenida al espectador a una trama de tinte familiar, en la que GRU y sus tres niñas bonitas entretienen al más pintado. 

 Precisamente, son estos ayudantes de color amarillo y llamativas gafas los que más sonrisas arrancan entre los espectadores. Los gags de sus peripecias y las tontas peleas entre estos simpáticos ‘Huevos Kinder con vida’ (los Minions), marcan el ritmo de la historia. Para terminar, es una delicia dejar volar la imaginación con los inventos, artilugios y vehículos de la película. Una trama directa, sin ambages, altamente entretenida y por supuesto con un final más que agradable, componen una película digna del mejor niño que llevamos dentro.

Publicado por Joaquín Rodríguez el 9 de julio de 2013.

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ENCUENTRO CON JOE DANTE

Por MARCOS RODRÍGUEZ

Dentro del certamen Nocturna Film Festival, el director Joe Dante (Piraña, Aullidos, El chip prodigioso, Pequeños guerreros…) vino a Madrid para recibir el premio Maestro del fantástico y acompañar la proyección de su mítica película Gremlins. 
Pude hablar con él dentro del Gran Hotel Conde Duque, mientras se tomaba tranquilamente una Coca-Cola. Todo fue gracias al jefe de prensa Raúl Gil y a Álvaro Pita, cineasta español pionero en escribir una biografía oficial sobre Dante, que además hizo de mi traductor.
 

Nada más empezar le comento que si entrase en mi habitación se encontraría con muñecos de Gremlins y Pequeños guerreros, además de haber tenido pirañas en un acuario: le enseño la calavera que guardo de mi último ejemplar y, después de preguntar si es de verdad, bromea metiendo un dedo entre los afilados dientes (por cierto, se quedó con media mandíbula que me olvidé en la mesa).

 

 

Quiero saber qué tipo de juguetes tenía en su cuarto y si aún los conserva. Al parecer su madre se los tiró todos, por lo que sólo le quedan cómics. Como curiosidad, Álvaro Pita me dijo anteriormente que uno de los juguetes favoritos de Dante era “Froggy the Gremlin”, mascota de un programa de tv de los años 40 y 50.

Después comentamos la importancia de jugar con muñecos en relación al cine, pues al igual que yo me montaba mis películas con algunos de los personajes de sus historias, él lo hacía con vaqueros en un rancho de papel.

Además de las referencias directas sobre juguetes y dibujos animados (de Tex Avery, sobre todo), en sus películas habían otros elementos que se repetían y que me llamaban la atención, como la manteca de cacahuete (peanut butter). Yo la descubrí cuando hablaban de ella en Gremlins 2, ya que en España no era nada conocida. “I hate it”, responde riéndose. Nunca le gustó y por eso mismo lo metía a modo de guiño en los guiones, como la sección que hizo para The twilight zone (1983) en la que tomaban hamburguesas untadas con esta crema.

Afirma que siempre le ha gustado hacer este tipo de referencias y llenar cada plano de pequeños detalles para que nunca sea aburrido ver sus películas. Por ejemplo, en Gremlins encontramos multitud de cómics, muñecos, videojuegos, escenas de otras películas, etc.

            Aprovechando este momento le regalo una figura del gremlin malo, Stripe, que me encontré en El Rastro: es de la marca Comics Spain y salió en España con el estreno de 1984. Se sorprende por lo bien pintado que está y me agradece de verdad el regalo, tanto que se lo metió en el bolsillo de la camisa para las próximas entrevistas (¡sale hablando del muñeco en El País!)

 

Foto cedida por Revista Magnolia

 

Quiero saber si cuando era joven estuvo detrás de algún cineasta que quisiera conocer. El caso es que estuvo esperando en un hotel a Roger Corman con unas chapas en la chaqueta para llamar su atención; años después empezaría a trabajar en la New World, productora de Corman.

Álvaro le hace saber que estoy ayudando a Armando Molina en el documental How IMet Spielberg, y que lo último que hicimos fue ir hasta Cannes para intentar conocer al famoso director, que además produjo las películas más conocidas de Dante. Nos aconseja que lo mejor que podemos hacer es enviar el documental a Spielberg con un mensaje del tipo “Sólo tú puedes ponerle final”, en alusión a una película de Samuel Fuller.

 

Volviendo a Gremlins, tengo curiosidad por averiguar cuál es realmente la procedencia de los “mogwai”, su origen dentro de la historia, pues es algo que siempre me he planteado desde que la vi por primera vez. Por lo visto, en la novela adaptada que George Pipe hizo de la película se explica que vienen del espacio, pero Joe Dante no comparte esa versión puesto que siempre quiso mantener un origen misterioso.

 

Terminamos el encuentro.

Para el recuerdo me queda una foto (en mala calidad por no poder hacer flash al estar “Stripe” presente) y un dibujo de “Gizmo” que me dedicó sobre una pequeña obra de arte que hice cuando tenía diez años.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Angelo Badalamenti

Por GUILLER VERDÍN Y MARCOS RODRÍGUEZ

Angelo Baladamenti

¿Quién mató a Laura Palmer? Ésta es la gran incógnita con la que se plantea Twin Peaks, una de las series noventeras más peculiares que jamás se hayan emitido, y de la que hemos escogido varios temas precisamente porque transmiten la esencia de la música de Badalamenti: una combinación perfecta de sensualidad y ambientes turbios y siniestros como el mismo pueblo en el que se desarrolla la serie.

         

           Angelo Badalamenti, que nació en Brooklin en 1937 destaca por sus reconocibles músicas que siempre están en la frontera entre las melodías más terroríficas y el más puro jazz.

Para captar mejor el estilo del compositor, vamos os proponemos el tema de La Playa, de Michael Bay, muy en la línea del opening de Twin Peaks, su primer trabajo con David Lynch que luego lo llevó a multitud de colaboraciones en televisión y cine.

          Destaca su capacidad para adaptarse a los directores con los que trabaja. Un buen ejemplo lo encontramos en el tema de La ciudad de los niños perdidos, con el que enseguida captamos el tono de cine francés propio del director Jean-Pierre Jeunet, más conocido por Amelie.

          Pero sin duda es David Lynch el cineasta con el que más se le identifica. Mulholland Drive, la más conocida por el público, presenta al comienzo un tema acorde con la intrigante trama que iremos descubriendo y que hará que nos perdamos en ese universo confuso y de cierto toque surrealista; película en la que, por cierto, el compositor tiene un pequeño papel como uno de los dos hermanos mafiosos:

          Para terminar rescatamos una rareza en la música de Badalamenti, una pieza que demuestra su facilidad para componer sintonías de terror: Pesadilla en Elm Street 3, guerreros de los sueños, recomendando de paso la película más entretenida de la saga de Freddy Krueger.

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El tiempo en manos de un niño

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ

                La invención de Hugo Cabret es un cuento hecho para mayores, narrado desde los ojos de un niño. La obra fue escrita por Brian Selznick y se publicó en el año 2007. La obra narra la historia de un chico que pierde a su padre y comienza a vivir solo en una estación de tren de París, en la década de 1930, que le llevará a conocer al enigmático dueño de una juguetería, llamado Mélies.

                Selznick es un ilustrador y escritor estadounidense conocido por su literatura infantil con obras como La Caja de Houdini y El Rey Robot. Este autor es nieto del mítico productor de películas de Hollywood David O. Selznick, que produjo títulos como Lo que el Viento se llevó o Rebeca.

                El salto a la gran pantalla viene en el año 2011 en EEUU y un año más tarde en España, bajo el nombre: La invención de Hugo. La versión cinematográfica, corre de la mano del director Martin Scorsese. Cuenta entre su reparto con dos niños protagonistas, que a pesar de su corta edad ya han despuntado: Asa Butterfield como Hugo Cabret, conocido por El Niño con el pijama de Rayas, y Chloë Grace Moretz como Isabelle, conocida por su actuación en el filme Kick-Ass. Completando el plantel de protagonistas, destaca la figura del juguetero Mélies, un hombre misterioso al que da vida Ben Kingsley.

 

                El elenco de secundarios también es fabuloso: Jude Law como el padre de Hugo, Christopher Lee como el enigmático librero, Richard Griffiths como el simpático Monsieur Fricks y Sacha Baron Cohen en su papel menos estrambótico, como guarda de la estación. La película fue nominada a once premios Oscar del 2011, ganando las cinco estatuillas técnicas: mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor sonido, mejor edición de sonido y mejores efectos visuales.  Unos galardones que podrían haber sido más, de no haberse llevado The Artist los premios a mejor película, mejor director y mejor banda sonora, entre otros.

                Scorsese hace gala de su pericia como director, con travellings imposibles que siguen al protagonista por túneles y recovecos de la estación de trenes; con escenarios repletos de extras en los que destacan los andenes y salones de la estación, bañados por el humo de máquinas de ferrocarril. Todo ello ambientado en el París de los años treinta, con panorámicas nocturnas de la Ciudad de la Luz en las que destacan edificios como la Catedral de Notre Dame y la Torre Eiffel.

 



                 El juego de los relojes es fundamental para la película. Hugo Cabret se dedica a arreglar y mantener a punto la maquinaria relojera de la estación de trenes, el oficio lo aprendió de su padre y de su tío. Desde los números que marcan las horas, el pequeño observa el mundo singular de la estación con la seguridad de no ser descubierto. Numerosos planos muestran las posibilidades de espiar a viajeros y transeúntes desde esa pequeña atalaya. Para terminar, la puesta en valor de los relojeros como verdaderos magos habilidosos, capaces de crear y arreglar artefactos delicados y de gran pericia técnica como los autómatas; el mismo mimo que los cineastas ponen a sus obras.

 

                La historia principal se basa en la relación entre Hugo e Isabella, dos niños que descubrirán y mejorarán su mundo gracias a sus modestos conocimientos, él de relojería y ella de literatura. Se trata de una visión idílica de la infancia, una imagen tierna de dos niños que nos guían por su pequeño mundo, con aventuras que harán las delicias de los espectadores. El director adopta la visión del niño, pone el cine a su altura y ensalza la capacidad de éste para arreglar su mundo, el de todos.

                Un cuento hecho película sobre el tiempo en manos de un niño, que reúne para mayores y pequeños la dosis exacta de magia, ternura, ingenio e ilusión.  





Publicado por Joaquín Rodríguez el 19 de mayo de 2013.

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