El gran Lebowski

El gran Lebowski, película de culto realizada en 1998 por Joel e Ethan Coen.

Rebecca

En 1940 Rebecca película de Alfred Hitchcock, consiguió el premio de la Academia a la mejor película

John Grisham, el abogado que quiso ser escritor

John Grisham, antiguo abogado estadounidense decidió dejar las Salas de Juicios para convertirse en escritor de novelas.

Hansel y Gretel: cazadores de brujas

Hansel y Gretel, nueva entrega, de acción y emoción, de la moda de versiones de cuantos clásicos.

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domingo, 28 de julio de 2013

EL HOMBRE DE ACERO

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ


'El hombre de Acero' es la nueva adaptación cinematográfica del cómic de Superman. Dirigida por Zack Snyder, es sin duda alguna la más espectacular. La trama nos lleva desde un planeta en declive como Krypton, hasta la juventud y vitalidad de la Tierra. En ambos mundos viven 'humanoides', pero mientras los kryptonianos están condenados a extinguirse, los terrícolas aún tienen la última palabra sobre su futuro. [Aquí se aprecia la mano de David S. Goyer y Christopher Nolan en el guión]. En ese duelo de predestinación contra elección aparece la figura del enviado divino, un niño nacido en Krypton: Kal-El, que crecerá en la Tierra con el nombre de Clark Kent.


El duelo interpretativo entre los dos padres de 'Superman' es digno de alabar. De un lado encontramos a Russell Crowe en la piel de Jor-El, el mejor científico de Krypton, y del otro, a Kevin Costner como Jonathan Kent, un afable granjero de Kansas. Ambos personajes son hombres rectos, que buscan el bien por encima de todas las cosas. Kent prepara a Clark para aceptar su superioridad, su futuro papel en el mundo como símbolo, como adalid del bien. Pese a haber muerto, una suerte de recuerdo 'vivo' sirve para que Russell Crowe de lecciones casi divinas a Kal-El sobre el sentido de la vida, que completarán la personalidad del joven interpretado por Henry Cavill.


La falta de Lex Luthor en este filme se ve compensada con la aparición del malvado General Zod, un villano procedente del extinto planeta Krypton que pretende acabar con Clark Kent y recuperar un complejo códice, clave para regenerar al también inexistente pueblo de Krypton. Interpretado por Michael Shannon, Zod es como una suerte de diablo que se ve obligado a cumplir su papel en el juego de la vida, encarna el mal para que en su contra brille el bien.


La actuación de los niños que dan vida a Clark Kent a lo largo de su infancia y juventud es buena, y la interpretación de Henry Cavill sólo parece estar a la altura en los momentos en que lleva barba, dando a Superman la apariencia de un ángel caído, de héroe perdido que muestra su mejor cara en los peores momentos. Por otro lado, no se puede sino criticar la falta de complicidad entre Clark Kent y Lois Lane, interpretada por Amy Adams. Llevan una relación fría y distante, para nada acorde con la tradición de Superman.



La fascinación por la imagen del director Zack Snyder es la mejor cualidad de la película, los efectos especiales son de primera y bien merecen ponerse de relieve escenas como la plataforma petrolífera en llamas, los rascacielos cayendo como si fueran fichas de dominó y la locomotora de un tren volando por los aires, imágenes que bien merecen el precio de la entrada. Incluso con los giros y vaivenes de planos, sigue siendo un auténtico espectáculo visual. Las trajes y máscaras de apariencia oscura son lo mejor de los 'malos' del filme, y el premio a la recreación virtual se lo lleva la maquinaria pesada que estos villanos llevan consigo.


Sin embargo, todo lo bueno que tiene la imagen, lo pierde en un guión flojo dónde Superman no alcanza la categoría de guardián del bien que debiera y una trama que no perfila bien a los personajes. Entre la lista de agravios al espectador encontramos…

1.) El último enfrentamiento entre héroe y villano no es sino una excusa para recrear una lucha al más puro estilo de la serie 'Bola de Dragón'.

2.) Krypton figura un planeta muy avanzado a nivel tecnológico, en el que suceden cosas inexplicables tales como que Russell Crowe monte a lomos de una suerte de pterodáctilo como los Na'vi de Pandora en la película Avatar, e incoherencias como que una civilización capaz de colonizar otros planetas y encerrar a sus malhechores en otra dimensión, caso de la 'Zona Fantasma’ no sea capaz de poner a salvo a parte de su población de la destrucción de su planeta.


3.) La proliferación de frases innecesarias del tipo: “Si ya hemos acabado de ver quién la tiene más grande” [Loise Lane a un General estadounidense] y “¡Es que está buenísimo!” [Una soldado a su superior y General, tras ser vacilado por Superman].

Para terminar con mejor sabor de boca, el broche de la película deja a nuestro personaje colocado como periodista en el Daily Planet, enlazando con la historia original y se presume en algunas escenas la más que inminente llegada de Lex Luthor en próximas entregas.





Publicado por Joaquín Rodríguez el 28 de julio de 2013.




martes, 23 de julio de 2013

STAR TREK: EN LA OSCURIDAD

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ

Ser un verdadero 'trekkie' lleva su tiempo, si consigues separar los dedos de la mano como Leonard Nimoy y conoces alguna palabra en el idioma Klingon, vas por el buen camino.

J.J. Abrams vuelve a repetir como director de la segunda entrega 'Star Trek: En la Oscuridad', del reciente renacer de la serie intergaláctica. La trama comienza donde quedó la primera, con James Tiberius Kirk al mando del USS Enterprise y Mr. Spock como su Primer Oficial. Tras una pequeña aventura en un planeta remoto, un misterioso ex-agente de la Flota Estelar llamado John Harrison, atacará por sorpresa las instalaciones londinenses de la Flota Estelar y más tarde a la Comandancia de la misma.

Desde ese momento, se declara abierta la persecución del 'terrorista' por todo el Universo. Los choques con el Imperio Klingon y los giros en la actuación de los protagonistas marcan el ritmo de una película más que entretenida. Cabe destacar la apuesta técnica por los efectos especiales, que deja escenas para la posteridad como el USS Enterprise saliendo del agua, y un vuelo temerario de los protagonistas a cuerpo descubierto por un campo plagado de asteroides y chatarra espacial.

Mención especial requiere la actuación de Benedict Cumberbatch como el misterioso John Harrison, para los conocedores de la saga el siempre temible Khan, legando un villano para la posteridad y brillando como es el mejor intérprete de la cinta. La actuación de Chris Pine como Capitán Kirk sigue la línea de la primera película... juicioso y atrevido, canalla y leal, firme pero temerario. Zachary Quinto, como el renovado Mr. Spock, mantiene su gesto imperturbable de vulcano, una pared que sólo cae cuando su personaje se emociona y que deja entrever un actor maduro a tener en cuenta.

La comedia encuentra su hueco en las respuestas rápidas y cortantes del Capitán Kirk, y en las escenas entre el ingeniero Montgomery Scott y su ayudante alienígena. Como única pega, el dramatismo mal rematado de algunas tramas y la rapidez con que sucede la historia, difícil de seguir para el espectador. Quitando esto, se trata de una cinta que hará las delicias del público y que a buen seguro también obtendrá el beneplácito de los 'trekkies más puristas', aunque sólo sea de puertas para adentro.


¡A disfrutar!






Publicado por Joaquín Rodríguez el martes 23 de julio de 2013.

martes, 9 de julio de 2013

GRU 2 Mi Villano Favorito

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ


Una película para niños siempre será una película para niños, sobre todo cuando toda una sala de cine pregunta, ríe a carcajadas e intercambia alguna que otra palomita aérea entre la bancada. Una cinta de dibujos animados durante una tarde de domingo, es igual a éxito en taquilla y muchos padres que miran de reojo los carteles de otros filmes más adultos. Sin embargo, estos mismos padres se llevaron una buena sorpresa, porque la segunda entrega de GRU es desternillante, vibrante, muy divertida.

Tras la conversión en bueno de nuestro particular villano, Gru lleva una agradable vida familiar junto a sus tres divertidas hijas y sus menudos ayudantes amarillos, los Minions. Sin embargo, el robo de una poderosa toxina unido a una serie de misteriosas desapariciones, llevarán a Gru hasta el papel de héroe para salvar el mundo, una vez más. Diversidad de escenarios, una sucesión de aventuras y todo tipo de artilugios dan la bienvenida al espectador a una trama de tinte familiar, en la que GRU y sus tres niñas bonitas entretienen al más pintado. 

 Precisamente, son estos ayudantes de color amarillo y llamativas gafas los que más sonrisas arrancan entre los espectadores. Los gags de sus peripecias y las tontas peleas entre estos simpáticos ‘Huevos Kinder con vida’ (los Minions), marcan el ritmo de la historia. Para terminar, es una delicia dejar volar la imaginación con los inventos, artilugios y vehículos de la película. Una trama directa, sin ambages, altamente entretenida y por supuesto con un final más que agradable, componen una película digna del mejor niño que llevamos dentro.


Publicado por Joaquín Rodríguez el 9 de julio de 2013.

martes, 11 de junio de 2013

ENCUENTRO CON JOE DANTE

Por MARCOS RODRÍGUEZ

Dentro del certamen Nocturna Film Festival, el director Joe Dante (Piraña, Aullidos, El chip prodigioso, Pequeños guerreros…) vino a Madrid para recibir el premio Maestro del fantástico y acompañar la proyección de su mítica película Gremlins. 
Pude hablar con él dentro del Gran Hotel Conde Duque, mientras se tomaba tranquilamente una Coca-Cola. Todo fue gracias al jefe de prensa Raúl Gil y a Álvaro Pita, cineasta español pionero en escribir una biografía oficial sobre Dante, que además hizo de mi traductor.
 
Nada más empezar le comento que si entrase en mi habitación se encontraría con muñecos de Gremlins y Pequeños guerreros, además de haber tenido pirañas en un acuario: le enseño la calavera que guardo de mi último ejemplar y, después de preguntar si es de verdad, bromea metiendo un dedo entre los afilados dientes (por cierto, se quedó con media mandíbula que me olvidé en la mesa).
 
 
Quiero saber qué tipo de juguetes tenía en su cuarto y si aún los conserva. Al parecer su madre se los tiró todos, por lo que sólo le quedan cómics. Como curiosidad, Álvaro Pita me dijo anteriormente que uno de los juguetes favoritos de Dante era “Froggy the Gremlin”, mascota de un programa de tv de los años 40 y 50.
Después comentamos la importancia de jugar con muñecos en relación al cine, pues al igual que yo me montaba mis películas con algunos de los personajes de sus historias, él lo hacía con vaqueros en un rancho de papel.

Además de las referencias directas sobre juguetes y dibujos animados (de Tex Avery, sobre todo), en sus películas habían otros elementos que se repetían y que me llamaban la atención, como la manteca de cacahuete (peanut butter). Yo la descubrí cuando hablaban de ella en Gremlins 2, ya que en España no era nada conocida. “I hate it”, responde riéndose. Nunca le gustó y por eso mismo lo metía a modo de guiño en los guiones, como la sección que hizo para The twilight zone (1983) en la que tomaban hamburguesas untadas con esta crema.
Afirma que siempre le ha gustado hacer este tipo de referencias y llenar cada plano de pequeños detalles para que nunca sea aburrido ver sus películas. Por ejemplo, en Gremlins encontramos multitud de cómics, muñecos, videojuegos, escenas de otras películas, etc.

            Aprovechando este momento le regalo una figura del gremlin malo, Stripe, que me encontré en El Rastro: es de la marca Comics Spain y salió en España con el estreno de 1984. Se sorprende por lo bien pintado que está y me agradece de verdad el regalo, tanto que se lo metió en el bolsillo de la camisa para las próximas entrevistas (¡sale hablando del muñeco en El País!)
 
Foto cedida por Revista Magnolia
 
Quiero saber si cuando era joven estuvo detrás de algún cineasta que quisiera conocer. El caso es que estuvo esperando en un hotel a Roger Corman con unas chapas en la chaqueta para llamar su atención; años después empezaría a trabajar en la New World, productora de Corman.
Álvaro le hace saber que estoy ayudando a Armando Molina en el documental How IMet Spielberg, y que lo último que hicimos fue ir hasta Cannes para intentar conocer al famoso director, que además produjo las películas más conocidas de Dante. Nos aconseja que lo mejor que podemos hacer es enviar el documental a Spielberg con un mensaje del tipo “Sólo tú puedes ponerle final”, en alusión a una película de Samuel Fuller.
 
Volviendo a Gremlins, tengo curiosidad por averiguar cuál es realmente la procedencia de los “mogwai”, su origen dentro de la historia, pues es algo que siempre me he planteado desde que la vi por primera vez. Por lo visto, en la novela adaptada que George Pipe hizo de la película se explica que vienen del espacio, pero Joe Dante no comparte esa versión puesto que siempre quiso mantener un origen misterioso.

 
Terminamos el encuentro.
Para el recuerdo me queda una foto (en mala calidad por no poder hacer flash al estar “Stripe” presente) y un dibujo de “Gizmo” que me dedicó sobre una pequeña obra de arte que hice cuando tenía diez años.
 
 
 
 

 


 

 
 
 

sábado, 1 de junio de 2013

Angelo Badalamenti

Por GUILLER VERDÍN Y MARCOS RODRÍGUEZ

Angelo Baladamenti
¿Quién mató a Laura Palmer? Ésta es la gran incógnita con la que se plantea Twin Peaks, una de las series noventeras más peculiares que jamás se hayan emitido, y de la que hemos escogido varios temas precisamente porque transmiten la esencia de la música de Badalamenti: una combinación perfecta de sensualidad y ambientes turbios y siniestros como el mismo pueblo en el que se desarrolla la serie.

         
           Angelo Badalamenti, que nació en Brooklin en 1937 destaca por sus reconocibles músicas que siempre están en la frontera entre las melodías más terroríficas y el más puro jazz.
Para captar mejor el estilo del compositor, vamos os proponemos el tema de La Playa, de Michael Bay, muy en la línea del opening de Twin Peaks, su primer trabajo con David Lynch que luego lo llevó a multitud de colaboraciones en televisión y cine.


          Destaca su capacidad para adaptarse a los directores con los que trabaja. Un buen ejemplo lo encontramos en el tema de La ciudad de los niños perdidos, con el que enseguida captamos el tono de cine francés propio del director Jean-Pierre Jeunet, más conocido por Amelie.


          Pero sin duda es David Lynch el cineasta con el que más se le identifica. Mulholland Drive, la más conocida por el público, presenta al comienzo un tema acorde con la intrigante trama que iremos descubriendo y que hará que nos perdamos en ese universo confuso y de cierto toque surrealista; película en la que, por cierto, el compositor tiene un pequeño papel como uno de los dos hermanos mafiosos:


          Para terminar rescatamos una rareza en la música de Badalamenti, una pieza que demuestra su facilidad para componer sintonías de terror: Pesadilla en Elm Street 3, guerreros de los sueños, recomendando de paso la película más entretenida de la saga de Freddy Krueger.






domingo, 19 de mayo de 2013

El tiempo en manos de un niño

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ

                La invención de Hugo Cabret es un cuento hecho para mayores, narrado desde los ojos de un niño. La obra fue escrita por Brian Selznick y se publicó en el año 2007. La obra narra la historia de un chico que pierde a su padre y comienza a vivir solo en una estación de tren de París, en la década de 1930, que le llevará a conocer al enigmático dueño de una juguetería, llamado Mélies.
                Selznick es un ilustrador y escritor estadounidense conocido por su literatura infantil con obras como La Caja de Houdini y El Rey Robot. Este autor es nieto del mítico productor de películas de Hollywood David O. Selznick, que produjo títulos como Lo que el Viento se llevó o Rebeca.
                El salto a la gran pantalla viene en el año 2011 en EEUU y un año más tarde en España, bajo el nombre: La invención de Hugo. La versión cinematográfica, corre de la mano del director Martin Scorsese. Cuenta entre su reparto con dos niños protagonistas, que a pesar de su corta edad ya han despuntado: Asa Butterfield como Hugo Cabret, conocido por El Niño con el pijama de Rayas, y Chloë Grace Moretz como Isabelle, conocida por su actuación en el filme Kick-Ass. Completando el plantel de protagonistas, destaca la figura del juguetero Mélies, un hombre misterioso al que da vida Ben Kingsley.
 
                El elenco de secundarios también es fabuloso: Jude Law como el padre de Hugo, Christopher Lee como el enigmático librero, Richard Griffiths como el simpático Monsieur Fricks y Sacha Baron Cohen en su papel menos estrambótico, como guarda de la estación. La película fue nominada a once premios Oscar del 2011, ganando las cinco estatuillas técnicas: mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor sonido, mejor edición de sonido y mejores efectos visuales.  Unos galardones que podrían haber sido más, de no haberse llevado The Artist los premios a mejor película, mejor director y mejor banda sonora, entre otros.

                Scorsese hace gala de su pericia como director, con travellings imposibles que siguen al protagonista por túneles y recovecos de la estación de trenes; con escenarios repletos de extras en los que destacan los andenes y salones de la estación, bañados por el humo de máquinas de ferrocarril. Todo ello ambientado en el París de los años treinta, con panorámicas nocturnas de la Ciudad de la Luz en las que destacan edificios como la Catedral de Notre Dame y la Torre Eiffel.
 

                 El juego de los relojes es fundamental para la película. Hugo Cabret se dedica a arreglar y mantener a punto la maquinaria relojera de la estación de trenes, el oficio lo aprendió de su padre y de su tío. Desde los números que marcan las horas, el pequeño observa el mundo singular de la estación con la seguridad de no ser descubierto. Numerosos planos muestran las posibilidades de espiar a viajeros y transeúntes desde esa pequeña atalaya. Para terminar, la puesta en valor de los relojeros como verdaderos magos habilidosos, capaces de crear y arreglar artefactos delicados y de gran pericia técnica como los autómatas; el mismo mimo que los cineastas ponen a sus obras.
 
                La historia principal se basa en la relación entre Hugo e Isabella, dos niños que descubrirán y mejorarán su mundo gracias a sus modestos conocimientos, él de relojería y ella de literatura. Se trata de una visión idílica de la infancia, una imagen tierna de dos niños que nos guían por su pequeño mundo, con aventuras que harán las delicias de los espectadores. El director adopta la visión del niño, pone el cine a su altura y ensalza la capacidad de éste para arreglar su mundo, el de todos.

                Un cuento hecho película sobre el tiempo en manos de un niño, que reúne para mayores y pequeños la dosis exacta de magia, ternura, ingenio e ilusión.  





Publicado por Joaquín Rodríguez el 19 de mayo de 2013.

sábado, 11 de mayo de 2013

Las canciones de Monty Python


Por GUILLER VERDÍN y MARCOS RODRÍGUEZ

Monty Python’s Flying Circus

Desde que se emitió el primer episodio de “Flying Circus” el 5 de octubre de 1969 por la BBC, la fama de los Monty Python creció hasta situarles en el referente de humor negro británico por excelencia. El grupo responsable de este clásico programa de humor estaba formado por John Cleese, Terry Jones, Graham Champan, Eric Idle, Michael Palin y Terry Gilliam.

          Anteriormente a sus tres películas principales, en 1971, destacó Se armó la gorda (And now something completely diferent), película de sketches sacados del show de la BBC. Programa donde se podían escuchar temas que formaban propiamente sketches como Bruce’s filisophrer’s song o Spam song. En su mayoría compuestas por Eric Idle quien será también el cantante de muchas de ellas.
 Bruce’s filisopher’s song 

Spam song

          También compuesta de sketches fue El sentido de la vida, la última en la que se les puede ver a todos juntos. En esta, un conjunto de historias sobre la concepción, el nacimiento, la vida y la muerte se escucha el tema principal, que oiremos para cerrar el programa, también Universe Expanding y esta que lleva por título Every sperm is sacred  y es una visión cómica de las grandes familias católicas de los barrios trabajadores.

Every sperm is sacred 

          La primera película que realiza el grupo inglés fuera del formato de gags es Los caballeros de la mesa cuadrada, una hilarante parodia medieval codirigida por Terry Giliam y Terry Jones. Idle, entre otros, compuso una versión musical de este film que hoy se sigue representando en Londres y Nueva York Spamalot. Otros temas igualmente cómicos se escuchan en esta película como la de Sir Robin y el bardo que lo persigue.
Knights Of The Round Table
Brave Sir Robin

          El único fallecido hasta la fecha, Chapman fue conocido por ser el protagonista de La vida de Brian, la más memorable de sus películas. Se sabe que fue producida en su mayor parte por el beatle George Harrison que solucionó los problemas económicos de esta enorme producción. Se trata, como sabréis de una parodia a las películas sobre la vida y la Pasión de Cristo llena de escenas cómicas y representativas. Posiblemente la canción más conocida del grupo inglés sea Allways look at the light side of life que Idle entona y silva crucificado junto a Brian.

Allways look at the bright side of live

          Para celebrar el 40 aniversario de los Monty Python, Idle compuso una versión musical clásica de Life of Brian que cantaron los miembros del grupo con importantes cantantes de ópera y la Orquesta Sinfónica de Londres. Muy recomendable. Curiosamente Idle visitó España en 2009 con la función “Spamalot” el día en que se cumplían los 40 años de los Monty Python y 30 del grupo catalán Tricicle, quienes eran los encargados de dirigir este espectáculo basado en Los caballeros de la mesa cuadrada.   

          Terry Gilliam posiblemente sea el que mayor aportación cinematográfica ha ofrecido a lo largo de su carrera, dirigiendo películas como Brazil, 12 monos o Miedo y asco en las vegas. John Cleese ha destacado en el campo del guión y de la actuación, especialmente en películas como Un pez llamado Wanda y Criaturas feroces (ésta con música de Jerry Goldsmith). En ambas, Cleese y Michael Palin aparecían junto a los actores Kevin Kline y Jamie Lee Curtis, creando así un especie de grupo gracias al cual muchos de nosotros conocimos a los Monty Python originales. También con Casper, película que comentamos en otros artículo, pudimos descubrir a Eric Idle en el papel de villano.


Jerry Goldsmith


Por GUILLER VERDÍN y MARCOS RODRÍGUEZ



En uno de nuestras entradas anteriores hablábamos de James Horner y destacábamos entre sus obras, Alien, el regreso. Pues hoy comenzamos con la primera de esa saga: Alien, el octavo pasajero. Se trata de una música de otro gran compositor, Jerry Goldsmith.
            

  Alien, el octavo pasajero.
           Si otros destacan por un tono característico común en todas sus obras, con Goldsmith esto es más difuso. El compositor, que nació en Pasadena-California en 1929, supo dotar sus composiciones de los matices propios de cada historia. Era un gran sinfonista, pero usaba multitud ritmos, instrumentos, estilos… según conviniera con la historia a la que iba a ilustrar.
            

           Jerry Goldsmith se iba en 2004, pero nos dejaba una infinidad de partituras para la televisión y el cine. Girando principalmente entorno al terror y la ciencia ficción destacan la teleserie Twiling zone, Patton, Papillon, Chinatown, Rambo, Instinto básico, Desafío Total,  Daniel el travieso o La Momia.
            

          Para probar esta capacidad de mímesis de las bandas sonoras de Goldsmith os proponemos un ejercicio. Rescatamos, además de Alien, tres temas suyos. La Profecía, El Planeta de los Simios, y Gremlins. Debéis de cerrar los ojos e imaginaros el film, no usando vuestra memoria cinéfila, sino asociando el tipo de música con el argumento de la película.



El planeta de los simios (1968)

          Música árida y exótica que se le ocurrió en la playa al chocar dos piedras. Es de las más extrañas que tiene, y gracias a esta pieza empezó a ser reconocido.




La profecía (The Omen) 

         Único Oscar (1976), aunque fue nominado en varias ocasiones.
Tema angustioso que cuenta con las voces siniestras del cántico “Ave Satani”, acompañando a la perfección a uno de los momentos más intensos: el ataque de los perros Doberman en el cementerio.

                                                                        Gremlins 

         Al igual que otras dirigidas por Joe Dante y producidas por Spielberg, no es casual que estos cineastas estuvieran influidos por las pelis y series de tv de los 50 y 60, en las que el compositor colaboró en algunas como Twilight Zone, además puso banda sonora a la versión en cine que se hizo en 1983.



La música de Tarantino (I)

Por GUILLER VERDÍN y MARCOS RODRÍGUEZ



Quentin Tarantino es uno de los grandes directores de culto. Su habilidad está en mostrar una violencia caracterizada por la sangre a borbotones y una visión distinta de la historia y la realidad. Puro entretenimiento pero con grandes y profundas historias. En Kill Bill nos cuenta como La Mamba Negra, interpretada por Uma Thurman, se venga de Bill y los miembros del Escuadrón Asesino Víbora Letal. Ellos habían matado a todos los invitados de su boda y ella elabora un plan para acabar con ellos uno a uno.

The Lonely Shepherd

         Kill Bill es una película de artes marciales, pero por encima de todo es un western. Y sigue la línea del héroe vengador y solitario clásico. La canción que seleccionamos y os mostramos al principio, The Lonely Shepherd, tema de la primera parte, que aporta esa idea del protagonista que vaga por el desierto solo, pero con una misión. Aunque esta vez, es una mujer experta en artes de lucha orientales. Un exotismo que esta canción de Hans Last también nos transmite.

Twisted Nerve

          Tarantino va a la psicología del personaje. Y desde ahí, a la nuestra, para rápidamente llegar a la emoción. Y esto también lo hace en la composición o selección de la banda sonora. Precisamente de un thriller psicológico, Twisted Nerve,  rescata la que posiblemente sea la pista más escuchada de esta banda sonora: el silbido de Elle Driver cuando se dirige a matar a La Mamba Negra.


Malagueña Salerosa

         Kill Bill es una continua fusión de estilos pero no sólo en el género de la película. También la música. El folklore es un elemento fundamental y cobra especial relevancia el flamenco. Tu mirá en la primera parte y Malagueña salerosa en la segunda, aparentemente chocantes para este tipo de filmes, se nos enredan perfectamente en la historia como un personaje más. Es importante que ambas hacen referencia a las miradas (Malagueña Salerosa dice “Que bonitos ojos tienes debajo de esas dos cejas”), son para Tarantino de grandísima relevancia a la hora de elaborar la narración. Un dato interesante es que esta versión de Malagueña Salerosa es interpretada por el también director Robert Rodríguez y su grupo Chingón. Para no salirnos del western (o, al menos del Western según Tarantino) terminamos este primer ciclo del director de Pulp Fiction con Django Desencadenado.

The Braying Mule

        Aquí Tarantino se deja de artes marciales y nos muestra un western distinto, en el que el esclavo negro se dedica a vengar su sufrimiento y el de su mujer matando a sus negreros. El realizador de Tennessee rescata lo mejor del gran western, entre otras cosas, la música. recogemos The Braying Mule, uno de los temas recogidos de la obra del gran Ennio Morricone. En este caso de la película Dos mulas y una mujer.

CÓMO HACER QUE REÍRSE EN EL EL CINE RESULTE INCÓMODO. Crítica: Los Amantes Pasajeros.


Por GUILLER VERDÍN




La última película de Pedro Almodóvar se nos presenta como su vuelta a la comedia, a la comedia más absurda. Una cinta de carcajada fácil y de puro entretenimiento pese a tener ciertas escenas sobrantes, de muy poco peso para la historia y que la hace perder ritmo. Los Amantes Pasajeros es una historia grotesca de esas que hacen sentir incómodo al espectador en su butaca y que son tan propias del encumbrado director manchego.

             De guión suelto y acertado en algunos chistes pero pobre y repetitivo, obcecado en el recuso erótico-sexual. Con grandes interpretaciones del trío protagonista y muy mediocres de algún secundario, Almodóvar acierta al elegir a Cámara, Arévalo y Areces, los tres actores cómicos más en boga del momento, que han sabido acoplarse entre sí perfectamente. Los Amantes Pasajeros es un auténtico auto-homenaje, que bien podría titularse Locazas al borde de un ataque de nervios.

Media estrella sobre cinco.