Cuando la vida te sabe a poco. El Club de la Lucha.

Por JOAQUÍN RODRÍGUEZ

            La película que tengo el placer de presentar es un filme extraño, oscuro y por momentos carente de vida. El club de la lucha es una mezcla explosiva de violencia, crítica acerada y rebeldía. Para unir semejantes elementos, en la dirección encontramos a David Fincher, dos veces candidato al premio Oscar por El Curioso Caso de Benjamín Button en 2008 y por La Red Social en el año 2010.

             El Club de la Lucha es la creación de dos desconocidos, de dos personas desarraigadas de la sociedad en la que viven, que un buen día descubren en la violencia del combate, una vía de escape y de realización. Edward Norton se mete en el papel de Jack, un perito de seguros sin vida más allá de su trabajo. Acompañando a Norton, encontramos a Brad Pitt en la piel del camarero y vendedor de jabones Tyler Durden, un aparente triunfador de ideología antisistema. Completando el reparto, Helena Bonham Carter da vida a Marla Singer, la peculiar amante de Tyler.

             El club de peleas clandestinas que fundan Brad Pitt y Edward Norton es su refugio, su cueva frente a una sociedad que los aliena, frente a una publicidad que los atonta y frente a una vida insulsa que les hace estar muertos en vida. Aunque la primera regla de esta particular asociación, es precisamente no hablar del Club de la Lucha, hay que destacar varios aspectos.

El primero, la actuación magistral de Brad Pitt. El actor estadounidense saca lo mejor de sí con David Fincher, un director con el que ha trabajado en títulos como Seven y el Curioso Caso de Benjamin Button. Sus duras y contundentes soflamas en contra de la sociedad capitalista atraen la atención por su pegada, por su certero retrato de lo que vivimos de la forma más cercana. En la siguiente escena queda de manifiesto el poder de convicción de nuestro protagonista antisistema…

 

La interpretación de Edward Norton no se queda atrás y son dignas de admirar las escenas en la oficina junto a su jefe, las conversaciones neuróticas frente a Marla en las terapias de grupo, y la candidez que demuestra hacia Tyler Durden. Su personaje va evolucionando conforme avanza la película, pasa de ser un pusilánime a enfrentar la vida con un arrojo inusitado.

Un actor que apuesta por papeles de mucha complejidad psicológica en sus películas. Muestra de ello son las dos nominaciones al Oscar que atesora. Una en la categoría de mejor actor de reparto en Las dos Caras de la Verdad por dar vida al joven Aaron Stampler, y otra en la categoría al mejor actor por meterse en la piel del neonazi Derek Vinyard en American History X.

Resalta también, el ambiente sucio y decadente en el que se mueven nuestros personajes fumadores. Desde los sótanos de un bar con las columnas forradas de poliespán y el suelo marcado por la sangre de los púgiles, hasta el aspecto desvencijado de la casa donde viven. Para meter al espectador de lleno en ese caos, la banda sonora de los Dust Brothers ayuda a potenciar la sensación de degradación, de violencia explícita, de tocar fondo.

La película fue estrenada en 1999, obteniendo poco éxito en la cartelera. Un fracaso inicial que con su salida en DVD comenzó a remontar el vuelo, terminando por convertirse en una película de culto y mejor valorada por el público. La cinta estaba basada en la adaptación de la novela del estadounidense Chuck Palahniuk, Fight Club de 1996.

Aunque se trata de una fiel adaptación del libro, la película se diferencia en algunas cosas de la obra original. En la novela el narrador de la trama no desvela su nombre, en cambio en la película dice que se llama Cornelius. En el libro ambos protagonistas se conocen en una playa nudista y en el filme se encuentran por vez primera en un avión. La cinta es un relato mucho más lineal que el texto original, en el que hay numerosos saltos de tiempo y espacio.

Tanto la película como la novela, narran la historia de unos hombres encerrados en sí mismos, que se ven abocados a la primitiva violencia como método de escape ante la sociedad inane que les consume. La crítica abunda en las frases cortas, mordaces y certeras de los personajes y poco a poco su mensaje aterrador y destructivo cala en el espectador. El Club de la Lucha supone un remedio violento ante una existencia vacía, un combate psicológico de los protagonistas frente a una vida que les sabe a poco.

Publicado el 30 de abril de 2013 por Joaquín Rodríguez.

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Encuentro con Michael Haneke

por Marcos Rodríguez
Encuentro con el ganador del Oscar a la mejor película de habla no inglesa, Michael Haneke, en el Círculo de Bellas Artes el día 20 de febrero de 2013. Entrega de la medalla de Oro del Círculo y rueda de prensa sobre su ópera Cosi Fan Tutte y su cine.

                                                             

Sobre la ópera 'Cossi fan tute'

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Grease

Por MÓNICA ZAS

Siempre destacamos en esta sección directores, guiones, actores, escenas o momentos, pero es momento de rendir homenaje a un icono. La categoría de icono es un poco confusa. Básicamente se puede catalogar como la película conocida por varias generaciones,  y que ha marcado a cada una de ellas, independientemente del tiempo que haya pasado entre ellas. Grease es eso y quizá algo más.

Ese algo es la música. Recién llegado de los escenarios de Broadway, esta obra sería la ópera prima en la gran pantalla del director Randal Kleiser. Una dirección novel que marcaría un antes y un después en el género musical de los años 70. No se puede analizar esta cinta pasando por alto su banda sonora ni su reparto, pues ambos son esencialmente la magia de este clásico.

El argumento del tópico adolescente no merece ser destacado y de hecho se le puede sacar más de una puntilla. Chico conoce a chica, se enamoran y tras el verano descubren que vienen de mundos totalmente diferentes. Claro, que si ese chico es Danny Zucco interpretado por el entonces encumbradísimo John Travolta, la cosa cambia. La cantante de country Olivia Newton John interpretaría a la inocente Sendy, que ha pasado a ser la pareja cinéfila de Travolta por antonomasia.

El elenco de secundarios tampoco se queda atrás, destaca Jeff Conaway como el fantasmilla Kenickie o Stockard Channing como Rizzo. Sin embargo, ni los personajes ni la trama pretenden hacer una crítica, caricatura o representación de la realidad. Es una artesanía que se centra en lo más vistoso y superficial de los cincuenta : los cochazos de carreras, las cafeterías Peggy Sue o las ferias coloristas.

Es frívola, pero también lo pretende así que eso no puede ser motivo de crítica. Quien quiera ver una historia del estilo pero más profunda que se ponga “Rebelde sin causa”. Este musical es para lo que es, divertir y entretener y ha envejecido mucho mejor de lo que se auguraba, es casi incombustible.

El éxito de la película fue arrollador, pero mucho mayor, como decíamos, fue el de su banda sonora que es una de las más vendidas de la historia, compuesta por 24 canciones a cuál más emblemática. Y con eso nos quedamos: con los números musicales, algunos buenos chistes y con una energía juvenil desvergonzada y muy de agradecer.

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V de Vendetta, el héroe de las mil caras

Por JOAQUÍN RODRÍGUEZ

                La película V de Vendetta narra la historia de V, un revolucionario misterioso que pretende derribar un régimen fascista impuesto en Gran Bretaña, tras una guerra nuclear mundial que ha dejado el mundo arrasado. La joven Evey Hammond, interpretada por Natalie Portman (Ganadora de un Oscar por Cisne Negro), se convertirá en seguidora de V, al que da vida Hugo Weaving (Sr. Smith en la trilogía Matrix), en su lucha por devolver el poder al pueblo. En el papel del tirano Adam Sutler encontramos a John Hurt, renombrado actor inglés, nominado a los Oscar en dos ocasiones a Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto por El hombre Elefante y Midnight Express respectivamente.

                Con guión de los hermanos Wachowski y dirección de James McTeigue, la película del año 2005 contiene tiroteos y luchas al más puro estilo Matrix, dibuja una ciudadanía cautiva por el poder y traza la figura de un héroe anarquista que pretende acabar con la tiranía. Las reflexiones sobre el poder establecido y la posibilidad de cambiar las cosas copan los diálogos entre V y Evey, conformando un juego psicológico que reedita el mito platónico de la Caverna.

                Pese al carácter ácrata y violento del protagonista, V hace gala de un léxico exquisito en sus conversaciones, modulando a la perfección el tono e intensidad de su voz y dominando según el caso el sarcasmo y la franqueza, el ataque y el elogio. El personaje de V es un fantástico orador que se recrea en el lenguaje y que sabe dominar cualquier situación. Muestra de ello es la forma de presentarse a Evey en su primer encuentro, en la que sólo hilvana palabras que empiezan por la letra v, en un alarde de vanidad. 

                La cinta adapta a la gran pantalla una serie de 10 cómics del mismo nombre escritos por Alan Moore e ilustrados por David Lloyd de los años 80. Alan Moore es también el creador de cómics como Watchmen, From Hell (una serie de cómics que especula sobre la identidad de Jack el Destripador) y la Liga de los Caballeros Extraordinarios. El autor se define como anarquista, igual que su personaje V, es considerado una leyenda viva del cómic y sus historias se dirigen a un público más adulto. Genio y figura, el largometraje V de Vendetta no le ha convencido y ha pedido ser retirado de los créditos de la misma.

                Al contrario que la película, Alan Moore no justifica en su cómic los medios violentos de V para obtener sus fines, sino todo lo contrario. Frente a la presentación de un V heroico y salvador en la cinta de McTeigue, el autor del cómic deja caer en los diálogos del mismo una desaprobación al terrorismo que utiliza V para derrocar al tirano Sutler. Se trata de una opinión latente en los diálogos y acciones que conforman la historia sobre el papel.

                Existen más diferencias entre el cómic y el film. En el primero, V no intenta ser un héroe y sin embargo sus actos llevarán hasta el fin del estado totalitario. En la película V se presenta como un libertador consciente de su misión.

              Asimismo, en la versión cinematográfica los líderes políticos engañan al pueblo para seguir en el poder y la falta de libertad se explica por la falta de políticos honestos. En cambio en el cómic, V centra sus críticas en los ciudadanos, achacando a la “deficiencia democrática” de éstos las miserias del sistema. Los ciudadanos eligen a sus dirigentes y sin embargo tienden a elegir a los peores.

                Como muestra de esta crítica a su sociedad, V piratea la señal de la televisión oficial para dirigirse al país en la siguiente escena…

                El personaje de V está basado en el conspirador inglés del siglo XVI Guy Fawkes, haciendo de su máscara blanca sonriente su seña de identidad y más tarde del colectivo Anonymous. El ilustrador David Lloyd dio a V la apariencia de un "Guy Fawkes resucitado". Fawkes fue uno de los integrantes de la denominada ‘Conspiración de la Pólvora’ del año 1605 en Inglaterra, que pretendía asesinar al Rey Jacobo I y a los parlamentarios ingleses, con el objetivo de reinstaurar el catolicismo en Inglaterra. Fawkes debía detonar varios barriles de pólvora para destruir la Cámara de los Lores, pero su plan fracasó al ser descubierto y fue ahorcado.

                Para conmemorar el fracaso del magnicidio, los protestantes celebran desde entonces la Noche de Guy Fawkes, también llamada Noche de los Fuegos Artificiales, como un acto anticatólico, en la que queman un muñeco que simboliza a este personaje. Con el paso del tiempo se han añadido nuevos guiñapos enemigos, extraídos del imaginario colectivo inglés, que cada 5 de noviembre son pasto de las llamas.

                Por último, la película V de Vendetta ha saltado de la gran pantalla al mundo real. El colectivo de internautas Anonymous tiene en el revolucionario V un referente en la lucha por la libertad de expresión. Los miembros de este grupo utilizan técnicas de hacker para hacer frente a aquéllos que pretenden acabar con la independencia de Internet. Los componentes de Anonymous han hecho de la máscara blanca de Guy Fawkes su símbolo, convirtiendo a V en el héroe de las mil caras.





Publicado el 13 de abril de 2013 por Joaquín Rodríguez.

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Siempre nos quedará París... o no

Por BÁRBARA HERMIDA

Si hablamos de una pareja de enamorados que se encuentran a lo largo del tiempo, sufren, se divierten, y se meten en líos en plena Segunda Guerra Mundial, se nos viene a la cabeza inmediatamente esta película; Casablanca. 

Efectivamente, la película transcurre en Casablanca, que era un conocido paso entre la Europa casi dominada por las tropas nazis y la promesa de la salvación americana. Y este es el principal contexto en el que el amor de Rick e Ilsa se desenvuelve. Engaños, traiciones, falsificaciones, persecuciones... Un amor que lo aguanta todo a ritmo de jazz. 

Es curioso, sin embargo, conocer que esta película no fue un camino de rosas en su creación; en realidad, no existía un guión cerrado y definitivo de lo que más tarde sería producido, sino que el guión se iba escribiendo a medida que avanzaba el rodaje. Tanto es así, que esa famosa frase "Esto puede ser el comienzo de una gran amistad" no era en realidad parte del guión, pero finalmente agradó tanto a toda la plantilla de rodaje  que decidieron incluirla. Ingrid Bergman, la actriz protagonista, afirmaba en sus memorias: 

" El guión se modificaba sin descanso y rodábamos a diario a partir de cero. Yo le preguntaba al director a precisar de quién estaba enamorada, y él me respondía: 'Aún no no se. Mientras tanto, actúe' "

También durante el final del rodaje, en la escena final existieron complicaciones, esta vez de carácter económicas. Por ello, el aeropuerto que aparece fue construido por completo en un pequeño estudio, siendo así el avión nada más que una maqueta bien construida. 

El director resolvió esta difícil situación contratando a unos enanos para que se movieran alrededor de la maqueta del avión y dieran así sensación de realidad.

Esta película es, sin duda, una historia de amor entre Ilsa y Rick, protagonizados por Ingrid Bergman y un Humprey Bogart en plataformas para llegar a la altura de la actriz. Fue tal el éxito alcanzado por esta película (posiblemente por el momento en el que fue expuesta en los cines, contemporáneo al contexto histórico de la película) que ese mismo año, 1943, la película ganó los Premios de la Academia a mejor película del año, mejor director (Michael Curtiz) y, sorprendentemente, Mejor Guión.

En definitiva, una gran historia de amor, en la que se oculta una gran lección de historia. Preparen sus pañuelos y sus mentes para dejarse llevar al ritmo de "As time goes By". Merece la pena.

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Recomendaciones Programa 17

Como cada semana comenzamos el Programa 17 con las recomendaciones de cada uno de nuestros colaboradores. Así que, ahí van:

Mónica Zas recomienda la serie ganadora de los premios Emmy 2012 "Homeland". Un drama militar sobre el conflicto de EE.UU con Al-Qaeda, protagonizada por Claire Danes y Damian Lewis. También recomienda la película "La vida de David Gale" con Kevin Spacey y Kate Winslet.

Joaquín Valentín recomienda una película de tornados: "Twister", de Jan de Bont y protagonizada por Helen Hunt y Bill Paxton.

Joaquín Rodríguez recomienda la película de acción "Salt" de Philipp Noyce y protagonizada por una estupenda y bellísima Angelina Jolie.

Bárbara Hermida recomienda el clásico incombustible de los 90 "Forrest Gump", una película dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por el siempre recordado Tom Hanks.

Guiller Verdín recomienda la joya Tarantinesca "Kill Bill" protagonizada por Uma Thurman. Destacamos también su BSO, que analizaremos en este programa 17.

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Mi nombre es Harvey Milk

Por MÓNICA ZAS

El documental es un género incomprendido. Atrae más una trama de ficción aderezada con unos efectos especiales impactantes, que un biopic que se sirve de imágenes de archivo al más puro estilo realité. También puede ocurrir precisamente lo contrario, que de un personaje real se explote artificialmente un producto que pierda todo lazo con su razón de ser, ofreciéndonos una frivolidad hollywoodiense más.

Con ninguno de estos dos casos se identifica “Mi nombre es Harvey Milk” de Gus Van Sant. Este biopic acerca del congresista homosexual es, recurriendo al tópico, incapaz de dejar indiferente. El tema, susceptible de ser malinterpretado como una caricatura, es tratado por el director de “El indomable Will Hunting” con un tiento y cuidado ejemplar. La lucha del protagonista es material más que suficiente para no caer en melodramas baratos o intensificarlo ficticiamente.

Pero sin duda la película es de Sean Penn. Un papel como este es un regalo que, bien hecho, encumbraría a su intérprete al estrellato. Pero es un regalo envenenado, pues es relativamente fácil caer en la sobreactuación y el exceso de amaneramiento, descentrando la atención de los rasgos principales de Milk y de su apuesta por el progreso social

Se barajaban muchos nombres, pero finalmente se optó por el milcaras. Sean Penn le imprime al personaje dos facetas; una más intensa al principio y otra profesional y manida en un redondo desenlace, que no abusa de una intriga que improcedente.

El truco final lo conforma un plantel que funciona a la perfección bajo las órdenes de Van Sant. Un James Franco bastante mediocre, un Diego Luna sobreactuado y un impresionante Emile Hirsch, todos saliéndose de las líneas generales de sus papeles normales. Pese a esto, sorprendieron a una crítica que no estaba acostumbrada a este cambio de faceta.

En conclusión, una apuesta por las minorías y una dosis de esperanza que la saca de la línea general de los documentales, y nos acercan una realidad cruda pero optimista. Una nueva forma de concebir la historia, de empatizar con las luchas pasadas y de ensalzar al Rey Midas de la actuación, Sean Penn, que todo lo que toca se convierte en oro.

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James Horner (I)

Por GUILLER VERDÍN y MARCOS RODRÍGUEZ

 

          Comenzamos la sección con un tema perteneciente a  Jumanji, y cuyo autor no es alguien lo suficientemente conocido en las bandas sonoras de las películas: el compositor James Horner. En estas líneas desarrollaremos el primero de varios ciclos sobre el este compositor. Suyo es el inolvidable tema de Titanic que cantó Celine Dion; también es responsable de la banda sonora de Willow, Cocoon, El Informe pelícano o La máscara del zorro. Suele cambiar de músicas tristes y nostálgicas a otras más épicas de acción, pero lo más importante es que siempre hay estilo definido que las une.   

 

 

           Horner, es considerado uno de los grandes sinfonistas del cine contemporáneo. El compositor, nacido en Los Ángeles en 1953,  es reconocible por el uso acertadísimo de los coros así como de los sintetizadores para orquestas. Un sonido en su origen rompedor pero que consiguió unirse irremediablemente con el género que mejor describe: la ciencia ficción.
 

            Es ahí donde Horner es más representativo, en la frontera entre la ciencia ficción y la fantasía. La fantasía es el género en el que nos muestra unas muy desarrolladas melodías tan dulces como épicas, destacando las tocadas al piano, sin abandonar los instrumentos sinfónicos y los emocionantes golpes de percusión. Pero no sólo de instrumentos sinfónicos vive Horner, también es reconocida su incursión en músicas de otras tradiciones como puede ser la introducción de la gaita en la banda sonora de Braveheart y la del shakuhachi (una flauta de madera japonesa) que utiliza en Campo de sueños o Leyendas de pasión.  

            

 

            Con Casper, del mismo de año que Jumanji, logró emocionar a todo el mundo en los momentos más intensos del film, especialmente la relación que mantienen la niña protagonista (Christina Ricci) con el pequeño fantasma. 

             Otra película entrañable y también algo olvidada es: En busca del valle encantado.

   

 

             Horner tiene una capacidad increíble para llegar a lo más profundo de las historias a las que pone su música, especialmente a las que están más dirigidas a los niños como este clásico de la animación, al igual que lo es Fievel y el Nuevo Mundo, que hemos escuchado antes, ambas películas dirigidas por Don Bluth y bajo el sello de Amblin. Pero también ha acompañado momentos de intensa acción, como hizo con una de las mejores secuelas de todos los tiempos: Aliens, el regreso.
 

 

            Para terminar, traigo el tema: 'Becoming One with Neytiri', una de las últimas piezas del compositor para la película Avatar, del director James Cameron. Un film de espectaculares escenarios dónde la música de un genio llamado James Horner, hace volar al espectador hasta mundos exóticos y desconocidos. 

 

 

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